Aprender en línea en tiempos de cuarentena

El mundo está atravesando momentos muy delicados, a raíz de la crisis sanitaria que ocasionó la propagación del Covid-19 con el posterior aislamiento social obligatorio de toda la población. Sin embargo, este tiempo de encierro puede ser aprovechado para el aprendizaje y son muchas las plataformas que liberaron sus cursos en línea, con el lema #QuedateEnCasa, que hoy ofrecen de manera gratuita una gran de cantidad de cursos de muy variada temática.

Las plataformas de aprendizaje en línea, o e-learning, son espacios virtuales de formación que buscan extender el acceso a la educación a distancia aprovechando las facilidades ofrecidas por Internet y las herramientas tecnológicas, en algunos casos permitiendo incluso la interacción entre tutores y alumnos.

Algunas de las mayores ventajas de este tipo de plataformas son la facilidad de uso, la flexibilidad respecto al horario y el ritmo de aprendizaje y la eliminación de barreras físicas, ya que no es necesario desplazarse grandes distancias para su acceso.

Son muchas las plataformas existentes que ofrecen enseñanza en línea y en español, algunas de ellas llevadas adelante por importantes universidades así como también por reconocidos profesionales.

En este artículo, recopilamos varias de estas plataformas que están al alcance de un sólo clic:

Crehana

Con el lema #YoAprendoEnCasa esta conocida plataforma tiene un calendario de cursos gratuitos que liberan diariamente, con contenidos que van desde diseño, ilustración hasta fotografía. La interfaz es muy práctica e intuitiva para el aprendizaje.

Además, diariamente ofrecen webinars libres con contenidos muy interesantes, especiales para los tiempos de teletrabajo.

 
https://bit.ly/2xivgED

Escuela Cursiva

Esta plataforma española de aprendizaje virtual, perteneciente al grupo editorial Penguin Random House ofrece cursos en línea que se dividen en las categorías Creatividad, Bienestar, Inspiración y Empresa.

Durante estas semanas ponen al alcance cuatro cursos gratuitos: herramientas de escritura creativa, estrategias de comunicación escrita, entre otros. También liberan un curso breve diferente cada día, por 24 horas.

https://bit.ly/3diDSMc

Y por si fuera poco, los días 20, 21, 22, 27, 28 y 29 de marzo llevan adelante el festival #YoMeQuedoEnCasaAprendiendo con distintos cursos en vivo a través de Instagram.

Absolut, el espíritu del vodka

El vodka es la bebida espirituosa por excelencia, clave para el desarrollo de la coctelería a nivel global. La marca sueca Absolut es hoy una de las más vendidas en el mundo, reconocida por su calidad y suavidad.

Cuando uno piensa en vodka lo primero que se le viene a la cabeza es el frío extremo de los países eslavos y nórdicos y aquella imperativa necesidad de buscar una botella de alta graduación alcohólica para mantener el calor corporal. Y cuando imaginamos esa botella, se nos dibuja en la mente la clásica botella transparente y azul de Absolut Vodka.

Posicionada hoy en día como una de las marcas de vodka más vendidas a nivel mundial, la historia de Absolut empieza en Åhus, Suecia, en 1879. Para hablar de esto –y todo lo relacionado a la bebida– entrevistamos a Alfonso Escardó, brand ambassador internacional para nuestra región del grupo francés Pernod Ricard, empresa dueña de varias marcas de licores, whiskys, ginebras, ron y vinos, propietaria de Absolut desde el 2008.

En esta ocasión, Alfonso llegó al país para brindar una capacitación dirigida a vendedores de cadenas de supermercados, licorerías, y bartenders, organizada por la distribuidora local Mannah SRL.

Sabemos que el vodka se origina en Rusia, Absolut sin embargo es una marca sueca, ¿cómo se da esa particularidad que dio origen a la marca?

La bebida en sí, como bien decís, es originaria de Rusia y Polonia. En efecto, vodka significa “agüita” en ruso, justamente por ese color claro que tiene por la destilación. En Suecia, como en algunas partes de Europa, se empezó a trabajar la destilación del trigo, maíz, cebada, para elaborar distintas bebidas. La cebada por ejemplo se usaba para la cerveza y posteriormente para el whisky con la destilación del trigo pero también para algunas vodkas. Es el caso de Absolut, que nace en 1879 al sureste de Suecia, en una localidad que se llama Åhus, fundada por el señor Lars Olsson Smith quien le dio el nombre de Absolut Rent Bränvin (vodka absolutamente puro). Patentó la marca Absolut y sobre todo lo que hizo fue generar una destilación en columnas que permitía purificar el alcohol y hacerlo más bebible, sobre todo en una época donde los destilados carecían de buena calidad y no eran muy bien acogidos por el público, entonces él entendió que concentrándose en la destilación era el camino para mejorar la bebida. Lo que sucedió después es parte de la historia, fue una marca que se mantuvo básicamente como una marca local hasta que después en el año 1979, cuando se cumplen cien años del nacimiento de la marca, Absolut lanza su icónica botella y la presenta en el mercado norteamericano.

¿Cuál es la diferencia fundamental entre el vodka y otros destilados?

Hay muchos aspectos o detalles que pueden generar diferencia. El primero es el tipo de cereal que se utiliza. No es el mismo destilado que voy a obtener del trigo que de la cebada, por ejemplo. Segundo, partamos de la base que estamos hablando de países diferentes: Suecia tiene su clima, su suelo y su agua. Todos esos elementos inciden directamente en el carácter del producto. El destilado de Absolut es destilado de trigo de invierno, que se llama así porque en los campos suecos se cultiva el trigo y se cosecha en época invernal a bajas temperaturas, lo que le da un efecto casi de esterilización al trigo, lo que permite la ausencia de insecticidas y de cualquier producto químico para proteger al trigo, son las mismas temperaturas bajas las que funcionan como protector del grano y esto hace también que el trigo mantenga sus propiedades naturales. El agua de Absolut es un agua de manantial subterránea, ellos la llaman agua de pozo profundo, es característica de la zona y es el gran responsable de la suavidad del vodka Absolut. Y después hay otro aspecto importante, ya centrándonos en el producto, Absolut tiene un sistema de destilación muy particular, cuando la mayoría de las vodkas destilan de 3 a 4 veces, Absolut lo hace infinitas veces.

Foto: Dervish Editorial

¿Y cuál sería la diferencia con el vodka producido en Rusia?

Lo primero que varía es la calidad del agua, el tipo de cereal que se use y aunque quizás en algunos casos usen trigo, también se usa mucho el centeno, lo que también le cambia la textura. También las destilaciones, por eso yo hago hincapié en la destilación de Absolut, que es lo que le da la suavidad al vodka. Absolut tiene un sistema de destilación, donde el producto fermentado lo destilan transformándolo en un alcohol crudo, que tiene aproximadamente 65º de graduación alcohólica y después ese alcohol destilado lo tiran en columnas de destilación y lo pasan 100 veces. Obviamente se pierde mucho alcohol pero se logra capturar una porción muy equilibrada, que ya viene con una característica suave que después se refuerza al agregarle el agua nuevamente. El agua participa en varias partes del proceso de elaboración del vodka y sirve justamente para rebajar la graduación alcohólica que a esta altura después de los 100 pasajes ya llega casi a los 100º, prácticamente un alcohol rectificado, con el agua se lleva a 40º y así se logra esa suavidad. Las vodkas rusas se destilan 3 a 5 veces, justamente porque el carácter que se le quiere dar al vodka ruso es un carácter fuerte, tengamos en cuenta que estas son bebidas que se toman en zonas donde hacen -40 ºC y el vodka es un aliado para combatir esas frías temperaturas.

Justamente una de las particularidades es que, a diferencia de Rusia y parte de Europa, en nuestra región no suele tomarse puro sino que se popularizó a partir de los cócteles. ¿Cómo fue la introducción de la bebida a nuestra región y Norteamérica?

No es casualidad que Absolut haya desembarcado en EE. UU. a principios de los 80, cuando en esa época en ciudades como Los Ángeles o Nueva York la coctelería estaba en auge, retomando su protagonismo, ya que la coctelería ya había tenido una historia muy rica después de la Segunda Guerra Mundial. Allí Absolut hace un gran aporte a los bartenders porque no solo le aporta un vodka suave y fácil de combinar, sino que después comienza a producir los vodka saborizados que son todos producidos en forma natural y sin azúcar, eso ayudó a los bartenders que querían hacer algún tipo de cóctel particular. En eso Absolut tuvo una incidencia muy importante para el desarrollo de la coctelería.

Entrando al mundo de la coctelería, ¿cuál es el trago o cóctel a base de vodka más extendido en la actualidad?

Hoy por hoy están muy de moda las caipis, la Caipiroska es el cóctel de moda en las discotecas y en las mayorías de los lugares. Después hay cócteles más tradicionales y más complejos pero sin duda que la Caipiroska es como el Gin Tonic para el Gin.

¿Y cuáles son las tendencias actuales?

Lo cítrico, las tendencias actuales son los tragos que tengan fuerte componente cítrico. Volvió el Gin Tonic, que a nivel mundial está siendo tendencia. Se están dejando de lado los tragos más cargados, pesados y se está trabajando más con frutas naturales, el maracuyá, mucha menta, todo lo que sea fresco. Y es muy importante para eso trabajar con un destilado que no imponga su fuerza alcohólica, sino que sea un destilado suave y que pueda combinarse de buena manera.

¿Cuáles son las variedades de Absolut que se encuentran en el mercado?

Está el Absolut regular, el Vanilia, el Mandrin, Pears, Ruby Red, Peppar, Raspberry, Citron y está llegando ahora en breve el último lanzamiento de la marca que es Lime.

¿Cuál es la particularidad de comunicar una bebida como el vodka en nuestra región?

Yo siempre digo que en definitiva es cultura general, no está demás que uno como consumidor conozca la procedencia, sus características principales y que sepa cómo usarlo. Te pongo un ejemplo claro, los sabores de Absolut, sucedía años atrás que la gente lo compraba porque le gustaba el aroma frutal natural pero no sabía cómo tomarlo. Y muchos optaron por ponerlo en el freezer y después lo tomaban congelados en un shot, cuando en realidad son vodkas que cortándolo con una gaseosa o un jugo te queda un cóctel espectacular y de manera muy simple que lo puede hacer cualquiera. Las marcas se están preocupando también que la coctelería hoy no sea solo cosa de profesionales, la idea es acercar la coctelería a la casa, a los amigos. Porque el cóctel no significa que tenga que ser un elemento de una complejidad increíble, en ese sentido los sabores de Absolut dan un aporte fundamental.

Alfonso, para terminar me gustaría que nos sugieras un cóctel que nuestros lectores puedan prepararlo en sus casas

Simple. Vaso largo, una medida de vodka Absolut Pears, hielo, gaseosa lima y decorás con una rodajita de lima tahití. Te queda un trago fantástico muy refrescante para las noches veraniegas de Asunción.

Publicado en Alacarta digital http://alacarta.com.py/v1/2017/11/15/absolut-vodka-el-espiritu-del-vodka/

El cine paraguayo se adentra al Chaco con La Redención

La nueva película de Hérib Godoy explora la contienda chaqueña en las trincheras de Nanawa.

Hérib Godoy es un joven cineasta de Coronel Oviedo que busca crear un cine con identidad. Ya lo hizo con Latas Vacías, una película de bajo presupuesto que logró éxito y recorrió varios países incluyendo España y EE.UU. Su nueva realización, La Redención, explora la historia paraguaya introduciéndose en la Guerra del Chaco (1932-1935). La película, hablada en castellano y guaraní, cuenta la historia de José (Juan Carlos Notari), un excombatiente y enfermo terminal, que recibe la sorpresiva visita de Marlene (Lali González), nieta de un ex camarada. Juntos emprenden un viaje lleno de recuerdos para dar con el paradero del abuelo de Marlene, desenterrar el pasado y encontrar juntos La Redención.

La película tiene guión de Néstor Amarilla Ojeda y las actuaciones de Juan Carlos Notari, Ramón del Río y Lali González, producción general de Aline Moscato, producida por Tuyupucú Producciones y Amamos Cine en coproducción con Anima S.R.L. Será distribuida por Life Films (20th Century Fox) y prevén su estreno para el primer semestre de 2018. Su director, Hérib Godoy, nos comentó más detalles.

¿Cómo nace La Redención?

Siempre quise hacer un trabajo audiovisual sobre la Guerra del Chaco y en 2015, volviendo de EEUU donde proyectamos Latas Vacías, sentí la necesidad de hacer esta película. Allá, desde que bajé del avión en el aeropuerto, pude ver como recuerdan con banderas y esculturas a los personajes heroicos de su historia; comparé la forma en que nosotros recordamos a nuestros héroes y me dije “es hora de filmar una película en homenaje a los excombatientes de la Guerra del Chaco”. Le escribí a Néstor Amarilla Ojeda, que estaba estudiando en Buenos Aires, para que cambiáramos el proyecto que estábamos planeando y nos metiéramos de lleno en esta nueva idea. Todos los que estamos detrás de La Redención tuvimos abuelos o parientes que fueron a la guerra y el proyecto se volvió personal. La inspiración fue una mezcla de anécdotas de nuestros abuelos y el libro de las memorias de Don Silvio Mendoza, un excombatiente abuelo de un amigo mío. La música de Emiliano habla de la guerra. Son inspiraciones que se fusionan en una historia profunda y hermosa contada en dos tiempos: en 1991, donde vive nuestro personaje principal y se encuentra con la nieta de un camarada de la guerra, y la otra relatada en 1933 en las trincheras de Nanawa donde vemos al personaje principal joven con sus 4 camaradas de patrulla.

¿En qué etapa de la producción se encuentran? 
Seguimos en rodaje, es una producción compleja y como trabajamos con un presupuesto ajustado necesitamos organizar todo muy bien. Rodamos la primera parte en enero y continuamos en octubre. En noviembre entramos en posproducción para estrenar el año que viene en el primer cuatrimestre, en fecha a definir con nuestro distribuidor (Life Films para el sello Fox).

¿Cómo fue recrear la historia en el Chaco?
Leímos sobre la Batalla de Nanawa y fuimos con el equipo de producción a las trincheras, al Chaco, a 96 km de Pozo Colorado, en la propiedad de unos señores formidables que nos hicieron de guía. Conocer aquel laberinto, caminar por los lugares donde estuvieron nuestros soldados y ver lo mismo que ellos vieron cambió la concepción que tenía de Nanawa. Recién entonces entendí la magnitud de aquel evento, percibí el sacrificio inmenso. Personalmente quisiera que, al ver la película, la gente sienta lo que sentí en Nanawa; hay algo mágico ahí que todos los paraguayos tenemos que conocer y sentir. 

¿Cómo fue el desafío de realizar una película de época?

Las escenas de 1991 fueron relativamente sencillas. Fue cuestión de encontrar en nuestras casas, con vecinos o amigos, las cosas de la época que requería el guión. Las escenas de 1933 requieren de más atención. Los uniformes fueron diseñados y confeccionados por alumnos de la Universidad Americana de la carrera de Diseño de Moda y por modistas de Coronel Oviedo. Estamos esperando el apoyo de las Fuerzas Armadas con armamentos de la época, y una de las cosas más interesantes para mí, el camioncito Ford T utilizado en la guerra y restaurado por el Touring y Automóvil Club Paraguayo, que se ve transportando soldados por un paisaje chaqueño, recreando de forma hermosa una postal de aquel momento.

¿Cómo es trabajar un nuevo proyecto después del éxito de tu primer filme Latas Vacías?

Latas Vacías fue una película simple en producción con una historia muy linda. La Redención es un guión complejo y somos 30 personas en las jornadas de filmación, con técnicos de fotografía e iluminación de Asunción, actores con experiencia y actores locales de Coronel Oviedo. Aline Moscato es la productora que está haciendo un gran trabajo. Tengo mucha fe en esto. La Redención es una historia que quiero ver, un cine que quiero hacer, un modelo de producción que me gusta. Se está convirtiendo en la película que siempre quise hacer.

¿Cuáles son las dificultades de hacer cine desde el interior del país?

Lo más dificil es conseguir el dinero para la realización y más cuando se hace en el interior. Las empresas privadas empiezan a conocer la industria audiovisual y a ver que apoyando una película nacional reciben visualización de sus marcas. El Estado debería ampliar su apoyo para incentivar la realización de cine en todo el país. En la parte técnica, actoral y de guión tenemos excelentes profesionales con ganas de trabajar y hay muchísimas historias que contar. El desafío es acostumbrar al público a ver historias nuestras, que vayan al cine a ver películas paraguayas; priorizar una producción nacional frente a una extranjera, solo así el cine paraguayo se podrá convertir en una industria.

(Nota publicada en la edición 158 de la revista Touring Club, Dervish Editorial, Octubre 2017)

Ismael Ledesma: 35 años abrazando el arpa

El arpista paraguayo radicado en Francia cumple treinta y cinco años de carrera musical. Destacado embajador de la música paraguaya, ha llevado con gran talento nuestra cultura y arte al mundo.

Ismael Ledesma nos propone con su música un paseo imaginario por los paisajes del Paraguay profundo, el verde de la naturaleza, el manso y salvaje curso del agua, como el indio errante en la búsqueda de la tierra sin mal. Sus melodías forman un puente desde el folclore latinoamericano hasta la Música del Mundo, pasando por el Jazz y aproximándose con curiosidad al Oriente Medio.

Nació en Lambaré en 1962, en una familia de artistas, su madre era guitarrista y su padre arpista, ambos formaban un conjunto llamado “Los Madrigales”. A los cinco años aprendió las primeras notas en el arpa a través de su padre. Cuando tenía diez años, su padre falleció y partir de ahí quedó con la responsabilidad de ser el arpista del grupo familiar. Así empezó su carrera musical recorriendo diversos escenarios a lo largo del país. En 1982, luego de terminar sus estudios secundarios, decidió emigrar a Francia donde tenía un tío también músico. En París se insertó al circuito musical latinoamericano, formando parte de diversos conjuntos musicales y siguió su formación musical en el Conservatorio Internacional de Música “Alfred de Vigny”. A finales de los 80, Ismael empezó a realizar sus primeras composiciones en arpa y años después a grabar con distintos sellos discográficos.

Hasta la actualidad ha grabado en Francia más de una veintena de discos, recorriendo los principales escenarios de París y el mundo, entre ellos el Olympia de París y el Grand Rex.

En el 2011 el senado francés lo distinguió como Personalidad de América Latina en Francia, junto a artistas de la talla del pintor y escultor colombiano Fernando Botero, mientras que la Biblioteca Nacional de Francia declaró de interés cultural la totalidad de su obra. Así también el gobierno paraguayo lo distinguió como Embajador del Arpa Paraguaya en el 2011 y el Congreso Nacional lo reconoció como “Maestro del Arte” en el 2017.

Ismael acaba de llegar de una gira de tres semanas en Japón y ahora se prepara para otra gira de cinco conciertos en Inglaterra con el guitarrista británico Richard Durant. En medio de sus compromisos, accedió a esta entrevista.

Sin duda uno de los elementos que más identifica a la música paraguaya es el arpa, ¿qué representa este instrumento para vos?

El arpa para mí es como un órgano más de mi cuerpo ya que lo tengo integrado a mi vida desde que nací… y además representa muchísimo en mi existencia ya que le debo todo lo que soy.

¿Qué anécdota recordás de tus primeros años de carrera que te haya marcado?

Existen varias anécdotas pero algo que me marcó y que no olvido nunca es hasta qué punto el arpa me ha salvado…. Cuando llegué a Francia en 1982 tenia un trabajo en la periferia de París en una ciudad que se llama Fontenay-sous-Bois. Debía ir allí a trabajar una noche y cuando ya estaba llegando a la estación de tren (Gare de Lyon) me percato de que me olvidé la billetera y no podía pagar mis tickets de tren y ya no podía volver para buscar la billetera… Entonces desenfundo el arpa y toco el tema "El cóndor pasa" que todos conocen aquí en Francia. Toqué apenas la mitad del tema y gracias a las moneditas que me daba la gente pude comprar mi billete para tomar el tren.

Para un artista es siempre importante el reconocimiento, en tu caso además del reconocimiento del público has recibido distinciones oficiales tanto en Francia como en Paraguay, ¿qué significado tiene eso para vos?

Claro, es importante para todo ser humano ser reconocido por lo que sabe hacer, en mi caso como artista tengo los aplausos del público y hace poco me han distinguido en mi país como "Maestro del arte" por el senado paraguayo. Y en Francia, país en donde resido desde hace 35 años, también el senado francés reconoció mi aporte cultural al país distinguiéndome como "Personalidad de América Latina en Francia" esto fue en el 2011. Ninguna de las dos distinciones me esperaba ya que siempre hice lo único que sé hacer para sobrevivir: la música. Significa mucho para mí porque mis dos países reconocen mi labor y es halagador porque finalmente mi trabajo fue útil.

¿Cómo te definís como compositor y de dónde proviene esa inspiración?

Soy un compositor intuitivo y espontáneo, mis composiciones son resultado de mi estado de ánimo y sobre todo me inspiro mucho de mi propia historia. Mi mente es una contante pantalla de cine en donde siempre se proyecta mi pasado y mis vivencias.

Estás en uno de los momentos más activos de tu carrera, publicando discos tanto como solista como en conjunto, ¿podrías hablarnos acerca de tus últimos trabajos y de los planes a futuro?

Estos tres últimos años fueron muy ricos en mi carrera a nivel de proyectos discográficos. Primeramente con el grupo “Ysando", una comunión de tres artistas paraguayos residentes en Francia: Andrea González (violín), Orlando Rojas (guitarra) y yo con arpa paraguaya. Este proyecto funciona muy bien aquí en Francia y nuestra música gusta mucho, nuestro disco se llama "Alma Latina" y es una mezcla de piezas paraguayas y de nuestro propio universo musical. Tengo a mi lado a dos jóvenes muy talentosos que aportan una frescura a la música paraguaya. Luego sigue mi carrera como solista y este año he creado el álbum llamado "El indio errante”, en donde se escucha al arpa en su máximo potencial, estoy completamente solo y expresando mi universo musical. Por otro lado, "Durrant y Ledesma”, un álbum que nació después de un encuentro en Inglaterra con Richard Durrant, reconocido guitarrista allá en el Reino Unido, es completamente apasionado y conocedor de la música de Agustín Barrios, me invitó a una de sus giras, tocamos juntos y de allí nació la idea de hacer este álbum que acaba de ser lanzado en Gran Bretaña. En este álbum la mezcla es más personal ya que fusionamos nuestros propios universos personales, los dos somos compositores y nos respetamos muchísimo. Este álbum es como su título lo indica, exclusivamente “Durrant y Ledesma”. Mis proyectos futuros en Francia consisten en seguir desarrollando nuestro grupo “Ysando”, realizar algunos viajes en festivales de arpa de España y giras por otros países.

El arpa te permitió recorrer prácticamente todo el mundo en estos 35 años, ¿qué tenés pendiente como músico? 

El arpa me permitió recorrer prácticamente todo el planeta y le estoy muy agradecido. Pienso culminar mi carrera dentro de algunos años y retirarme en nuestro país en donde llevaré una vida simple y normal.

Sus discos más recientes: 

•  “El indio errante” (2017), disco solista 
• “Durrant y Ledesma” (2017), con Richard Durant
• “Alma latina” (2016), con Ysando

Sitio web www.ismaelledesma.com

Sus discos están disponibles en Deezer, Spotify, Itunes y Amazon

Publicado en la revista Touring Club, edición 157, agosto 2017.

Cien años del supremo de las letras paraguayas

El 2017 es un año de celebración para las letras nacionales, es el centenario del escritor paraguayo más universal de todos los tiempos: Augusto Roa Bastos.

Sereno, sencillo y humilde. De estatura baja y sabiduría inmensa. Auténtico, comprometido con su arte y su postura ética y política. Así lo definen quienes lo conocieron en persona. Augusto Roa Bastos, el escritor que dio voz a su pueblo oprimido, “el compilador de las voces del pueblo”, como él se consideraba. En sus obras buscó crear una simbiosis entre el idioma español con el guaraní y el vocabulario culto con el popular. Escribió en todos los géneros literarios: poesía, cuento, teatro, novela y ensayo. Sus obras trascendieron las fronteras de la lengua al ser traducidas a al menos 25 idiomas.

Augusto nace en Asunción el 13 de junio de 1917, hijo de Lucio Roa, de origen español, y Lucía Bastos, de ascendencia franco-portuguesa. A los pocos meses su familia se muda a Iturbe, un pueblito del departamento del Guairá, a 200 km de la capital, donde funciona un ingenio azucarero del cual su padre sería empleado. 

Allí vive la mayor parte de su infancia, en medio de la realidad del mundo campesino paraguayo, entre los ríos que lo bordean, el ingenio azucarero y la vieja estación de   tren, influenciado por esa cultura guaraní que era palpable y por su madre, ávida lectora de Shakespeare, de quien hereda el hábito de la lectura. Muchos de estos elementos de su vida y su infancia finalmente hacen parte central de su obra, principalmente en los cuentos de El trueno entre las hojas (1953).

Iturbe era un pueblo donde poco y nada se conocían los libros, mucho tiempo después Roa contaría en una entrevista que en uno de sus regresos al pueblo una señora le preguntaría extrañada “Mba’e piko la libro, ¿upeante piko?”, señalándole uno de esos antiguos fonógrafos usados para reproducir música. Esta anécdota graficaba de manera cruda la realidad de la educación en el país y su relación con la lectura.

A los ocho años el pequeño Augusto se muda a Asunción y vive con su tío, el obispo Hermenegildo Roa. Concluye la primaria en la escuela República Argentina y luego se interna como pupilo en el Colegio San José. En esos años afianzaría su relación con la literatura gracias a la amplia biblioteca de su tío. Tempranamente mostraría sus cualidades literarias, escribiendo a los 13 años su primera obra de teatro y a los 14 el famoso cuento “Lucha hasta el alba”, publicado tiempo después.

En 1932, con el estallido de la Guerra del Chaco, teniendo quince años, decide junto con sus compañeros de colegio escapar e ir al frente de batalla. Pero debido a su corta edad son asignados a la retaguardia, donde realizan trabajos humanitarios sirviendo como enfermeros y aguateros. Esta experiencia luego la plasmaría en la novela Hijo de Hombre (1960).

Luego de regresar de la guerra, deja la secundaria y sigue su formación de manera autodidacta trabajando además como empleado de un banco. Poco después inicia otra de sus facetas, la de periodista, trabajando para el periódico El País (donde hoy se encuentra el diario Última Hora), del que posteriormente llegaría a ser jefe de redacción.

Paralelamente sigue forjando su carrera literaria y estrecha lazos con la escritora y artista española residente en el país Josefina Plá -a quien consideraría su maestra-, Hérib Campos Cervera, Óscar Ferreiro, Hugo Rodríguez Alcalá y Elvio Romero, junto a quienes conforma el grupo Vy’a Rayty (Nido de la alegría), principales referentes de la generación del 40, conocidos por renovar el lenguaje de la narrativa y poética paraguaya. En 1942, con 25 años, publica su primer libro, el poemario El ruiseñor y la aurora.

Ese mismo año se casa por primera vez, con su novia de adolescencia de Iturbe, Lidia Mascheroni, con quien tendría tres hijos.

En 1944 viaja a Gran Bretaña, por invitación del Consejo Británico, donde se desempeña como corresponsal, cubriendo la Segunda Guerra Mundial y entrevistando a personalidades mundiales como Charles de Gaulle.

Su vida en el exilio

Posterior a la Revolución del 47, con la llegada al poder de Higinio Morínigo, Roa se ve forzado a abandonar el país luego de sufrir amenazas por parte de los partidarios del gobierno debido al papel crítico que tenía el diario El País cuya sede había sido atacada.

A partir de ahí se asila primero en la Embajada de Brasil, por cerca de dos meses, y luego se exilia en Argentina, donde viviría por 30 años y produciría la mayor parte de su obra literaria.

En Buenos Aires trabaja en diversos oficios “de supervivencia”, como él consideraba, es empleado de una compañía de seguros, corrector del diario Clarín, entre otros. Además trabaja como guionista de cine, escribe los guiones de películas como “Shunko” (1960) y “Alias Gardelito” (1961), dirigidas por Lautaro Murúa.

Algunas de sus obras literarias también serían adaptadas al cine, de la mano de Armando Bo (“El trueno entre las hojas” en 1957), con una joven Isabel Sarli que se iniciaba en la actuación como protagonista haciendo el primer desnudo del cine argentino, y Lucas Demare (“La sed”, en 1961).

En 1960 obtiene el premio Losada por su novela Hijo de hombre, con la que recibe el unánime reconocimiento de la crítica, dando impulso a su carrera. Esta novela, una de las mejores de su producción, abarca de modo fragmentario casi cien años de historia paraguaya, incluyendo la Guerra del Chaco y la Revolución del 47.

Su nombre empieza a adquirir fama internacional en 1974, cuando publica Yo el Supremo, novela que se centra en la figura histórica del dictador Gaspar Rodríguez de Francia. Esta obra, de mucha complejidad y original estructura, lo establece en la vanguardia de los escritores del continente y pasa a ser considerado parte del llamado Boom de la literatura latinoamericana. Yo el supremo forma parte de una serie de novelas de dictadores, escritos por autores latinoamericanos a través de una especie de acuerdo tácito, que incluyó a Alejo Carpentier con El señor presidente (1946), Gabriel García Márquez con El otoño del patriarca (1975) y Mario Vargas Llosa con La fiesta del chivo (2000).

Exilio en Francia 

En 1976 Roa se traslada a Francia, luego del golpe militar de Jorge Rafael Videla en Argentina, donde es contratado por la Universidad de Toulouse para enseñar guaraní y literatura latinoamericana, iniciando su segunda etapa en el exilio.

En Toulouse forma pareja con Iris Giménez, francesa hija de exiliados españoles y profesora universitaria, con ella tendrían tres hijos. 

En uno de sus retornos al país, en 1982, la dictadura stronista lo expulsa del país declarándolo “persona no grata” y lo despoja de todos sus documentos. España le concede ciudadanía honoraria y continúa fijando residencia en Francia.

"La literatura es capaz de ganar batallas contra la adversidad sin más armas que la letra y el espíritu, sin más poder que la imaginación y el lenguaje”

Caída de la dictadura y Premio Cervantes

De 1983 en adelante fue un opositor activo al gobierno de Stroessner, denunciando junto a otros intelectuales que vivían en el exilio las violaciones a los derechos humanos cometidas en el país. En 1986 publica su "Carta abierta al pueblo paraguayo”, que circula ampliamente y en la que exige una transición a la democracia. 

Luego de la caída de Stroessner en febrero de 1989 regresa al Paraguay y es recibido con entusiasmo por una multitud de artistas y ciudadanos en general. En noviembre de ese año le es otorgado el Premio Cervantes, máximo galardón de la literatura castellana, por su carrera literaria y lucha por la democracia, concedido por los reyes de España. Además, la Universidad de Toulouse le otorga el título de Doctor Honoris Causa.

A lo largo de su carrera conoce y entabla amistad con grandes escritores latinoamericanos como Gabriel García Márquez, Mario Vargas Llosa, Tomás Eloy Martínez y Adolfo Bioy Casares, entre otros. Esta camaradería sería evidenciada en una de las anécdotas que cuentan que al serle otorgado el Premio Cervantes, García Márquez, con su característico ingenio le envía un telegrama que dice simplemente: “Tú, el supremo”.

En 1996 se traslada definitivamente al país. Roa considera que su deber moral es estar en el país y sobre todo con los jóvenes, transmitiéndole sus conocimientos, estando en contacto principalmente con aquellos más carenciados, que no tenían acceso a una educación de calidad. En esta etapa publica las novelas "Vigilia del almirante”, "El fiscal", “Madama Sui” y “Contravida”, considerada una novela autobiográfica, entre otras.

Vive sus últimos años rodeado del cariño y admiración de sus compatriotas. Fallece en Asunción el 26 de abril del 2005 a los 87 años, dejando un legado imborrable que perdura hasta hoy, a cien años de su nacimiento.

Obras cumbres

El trueno entre las hojas (1953)

Hijo de Hombre (1960)

Yo el Supremo (1974)

Vigilia del almirante (1992)

El fiscal (1993) 

Contravida (1994)


*Nota publicada en la revista Touring Club, edición 156, junio de 2017, Asunción - Paraguay.

Banda sonora del 2014 (Mejores temas del año)

Como cada año, en esta época empiezan a circular los compilados de Grandes Éxitos de la temporada: en el colectivo, en el mercado o en las calles. Entonces, a mí también me pareció un buen negocio y me tomé el trabajo de seleccionar los temas que a mi criterio son los mejores o los más escuchados (y casi siempre, que más rompieron las bolas). La selección es arbitraria, pero a la vez traté de ser objetivo y abierto a otros estilos que no son exclusivamente de mi preferencia.

Dicho esto, estas son las canciones que acompañaron los distintos momentos del año y marcaron su curso. Así como cuando escuchás el soundtrack de alguna película y te vienen a la cabeza flashes de ese filme, así también estos serán los temas que probablemente al escucharlos te remitirán a determinados momentos de este 2014 que ya se acaba. 

1.       Pharrell Williams – Happy

Uno de los productores más exitosos de los últimos años, el mismo que en el 2013 la rompió con el éxito Get Lucky junto a los Daft Punk, este año la pegó por cuenta propia. Happy, banda sonora de la película Mi villano favorito 2, es lo que dice ser: una canción feliz. Quien gusta del pop sin duda lo habrá tomado como bandera. "Aplaude si te sientes como una habitación sin techos (sin límites), aplaude si sientes que la felicidad es la verdad" son frases que bien podrían usarse para un taller motivacional. Y funciona. Es enérgico y efectivo. No hay duda que Happy es uno de los temas del año. Una sólida base de soul y R&B, con ese toque que sabe darle Pharrell Williams. 

2.       Magic! – Rude

El clásico pretendiente pelotudo que quiere llegar a casa de la chica a marcar pero el viejo no lo permite. Magic! sorprendió este año, con su base reggae pop con cierto aire adolescente y sonó hasta el hartazgo tanto en radios rockeras como en las populares. Se presentaron también hace unas semanas en la gala del Grammy Latino, cantando incluso con Marc Anthony una versión inglés-español. No podemos desconocer la calidad de esta propuesta musical, que en el resto del álbum se diluye en un sonido pop sin disimulo. Pero es una buena carta de presentación para esta banda canadiense y es un buen inicio para nuestro listado.

3.       Coldplay – A sky full of stars

Chris Martin ha tenido tantos altibajos en los últimos años que la novedad sería escuchar un álbum enteramente bueno. Y eso de asociarse con alguno de los artistas pop del momento es una estrategia que ya le funcionó antes, cuando se juntó con Rihanna para hacer Princess of China. Esta vez le convocó a uno de los Dj más populares del momento, el sueco Avicii, para hacer un tema electropop que dista bastante de la línea del resto del álbum, pero que para bien o  para mal gozó de mayor popularidad que el resto de los temas de Ghost stories. “Un cielo lleno de estrellas”. Esta es la fiesta de Chris Martin, pase, Jennifer Lawrence está en la sala tomándose selfies (?).

4.       The Black Keys – Fever

¿Y dónde están las guitarras? se seguirán preguntando los más fanáticos de la banda estadounidense. Lo que queda es un riff enérgico y un sintetizador incontenible y muy pegadizo. Quizá el tema donde más se siente la mano de Danger Mouse, productor del disco. Menos crudo que sus trabajos anteriores, pero igual de efectivo. "Fever, let me live a dream" predica Dan Auerbach pero la gente quiere y seguirá pidiendo despertarlo y que sus ruidosas guitarras no se apaguen.

5.       Bruce Springsteen – High Hopes

Bruce Springsteen renació, se renovó, le sacó el polvo a viejos temas, canciones descartadas y algo más, convocó a músicos de la talla de Tom Morello para hacer una de las mejores producciones del año. "Give me help, give me strength. Give a soul a night of fearless sleep. Give me love, give me peace..." canta y no podemos negarlo, es El Jefe.

6.       Jack White – Lazaretto

Entonces irrumpe Jack White con toda la potencia cantando en castellano “Yo trabajo duro, como en madera y yeso” disparando sus riffs a contracorriente. En este tema, que da nombre a su último álbum, destaca el recientemente fallecido Ikey Owens (ex The Mars Volta), en los teclados.

7.  Lana del Rey – Shades of cool

Lana consiguió consolidarse, no sé si se podría decir que llegó a la madurez, pero hizo algo aún más importante: se asoció a Dan Auerbach, quien produjo este buen puñado de temas dream pop con aires psicodélicos. Lana es hermosa e hipnótica y Shades of cool bien podría convertirse en un himno de su generación. Amor, drogas y relaciones conflictivas. "'Cause you are unfixable. I can't break through your world. 'Cause you live in shades of cool. Your heart is unbreakable" canta y nos envuelve en su atmósfera de melancolía y nos sorprende con ese solo bluesero. Espacial.

8.       Maroon 5 – Maps

El respeto que se habían ganado para mí con su primer álbum y sus puestas en escena, se fueron perdiendo con el tiempo. Hoy por hoy Maroon 5 se convirtió en una máquina de fabricar hits. Aparentemente perdieron su mapa, o lo que es peor, encontraron el camino más fácil. 

9.       Damon Albarn – Mr. Tembo

Está muy claro que Damon Albarn ignora el significado que podría tener el nombre que decidió darle a su elefante para los guaranihablantes, más allá de este hecho anecdótico y lo cómico que nos resulte, Mr. Tembo es el tema más alegre de Everyday Robots y contrasta bastante con el aire del resto del álbum. Con ukelele y coros gospel nos cuenta la tierna historia de un pequeño elefante que encontró en Tanzania y le inspiró esta canción.

10.   Jorge Drexler – Universos Paralelos

Lo de Drexler es para aplaudir, no se cansa de reinventarse y siempre busca ser la nueva mejor versión de él mismo. Esta vez apartó un poco los samplers y se largó a Colombia a producir un material con sonido latinoamericano. Universos Paralelos obtuvo el Grammy Latino por Grabación del Año y eso que no es el mejor tema del álbum. Colabora la rapera chilena Ana Tijoux.

11.   Morrissey – World peace is none of your business

Irak, Siria, Afganistán, Ucrania, Palestina. Este fue un año turbulento y con muchos conflictos bélicos. “La paz mundial no es uno de tus negocios” le canta Moz seguramente a algunos líderes mundiales. "Los ricos deben sacar sus beneficios y ser más ricos, y los pobres ser cada vez más pobres", concluye con total claridad. Morrissey no se calla nunca y eso es bueno, pero también esto le trae problemas, como el que tuvo con su discográfica, quienes en venganza borraron todos los videos oficiales de YouTube y dieron de baja el sitio web del último álbum. Igual, Moz ya está muy grande para sentirse afectado por este tipo de cosas.

12. Foo Fighters - Something From Nothing

"Here lies a city on fire, sailing alone. The answer is quiet. Now here I go" canta Dave Grohl, primero tímidamente y luego progresivamente creciendo en intensidad hasta que estallan los gritos, las guitarras... Octavo álbum, ocho canciones, ocho ciudades. Cada tema de Sonic Highways fue grabado en una ciudad distinta de Estados Unidos y de alguna forma guarda relación con cada una de ellas. Cada track del disco es un episodio distinto. En este caso, Something from nothing fue grabado en Chicago. 

13. Calle 13 – Ojos color sol

Qué combinación esta, tan inesperada como previsible. Es que lo que tienen en común Calle 13 y Silvio Rodríguez, más allá de su posición ideológica, es que miran de frente a las problemáticas sociales de nuestro tiempo con su música y su lírica. Tiempo atrás, el propio cantautor cubano había dicho en una conferencia de prensa que le interesaba colaborar con Calle 13 y el resultado de esto es Ojos color sol, un tema lleno de poesía y utopía. "En la academia militar enseñan medicina y los banqueros ahora harán viviendas y comida". Actúan en el video el mexicano Gael García Bernal y la española María Valverde.

14.   The Kooks – Down

Evidente cambio de sonido respecto a sus anteriores materiales. Un toque funk, R&B y electrónica. Bailable. El álbum en sí transcurre en esta dirección y lo hace bastante bien. Listen, es una especie de redescubrimiento de la banda británica.

15.   U2 – The miracle (of Joey Ramone)



Tengo que confesarlo: me costó poner esto acá. Pero hay que decirlo, Bono y los suyos no lo hicieron tan mal este año. The Miracle es una especie de declaración de amor y agradecimiento de Bono y The Edge a Joey Ramone, por su 'despertar musical' de la mano de The Ramones. Esté o no agradecido por este hecho particular, Songs of innocence aporta lo suyo al panorama musical este año. Lejos de estar de acuerdo con la Rolling Stone que lo ubicó como el mejor disco del año, yo diría que si hiciéramos un listado de los mejores 20 álbumes del 2014 este encontraría lugar.

16.   Kaiser Chiefs – Misery company

Muy atrás quedaron los grandes éxitos de esta banda británica y todavía les cuesta remar sin su baterista y compositor Nick Hodgson. Pero Education, Education, Education & War es un buen intento. De todos los cortes promocionales -radiales y digeribles en extremo- rescaté Misery company, que me pareció lo más regular.

17.   Damon Albarn – Lonely press play

"When you're lonely, press play", esta frase define bastante bien lo que es Everyday Robots. Por eso era imperioso poner un tema más del álbum, primero porque está genial y segundo por mostrar algo más representativo que Mr. Tembo, que como ya dije antes, es una canción alegre, a diferencia de lo que es el resto del álbum, melancólico e instrospectivo, mucho más intimista que todo lo que hizo con Blur o Gorillaz. Damon Albarn es un genio único y en lo personal este fue el disco más esperado del año, y no defraudó.

18.   Foster the people - Best friend

Pumped up kicks va a seguir siendo un escalón difícil de superar para la banda californiana, al menos por unos años, pero con su segundo álbum consiguieron al menos no pasar desapercibidos.

19.  Interpol - All The Rage Back Home

Tardé un poco en captar que El pintor, nombre del último álbum, no era otra cosa que un anagrama con el nombre de la banda. Más allá de este descubrimiento, que de momento es el único en todo el disco, está All The Rage Back Home, que parece mostrarnos la mejor cara de los neoyorkinos, pero en el resto del álbum esto va deformándose hasta acabar algo desabrido y aburrido.

20. De la tierra – Maldita historia

El concepto de los “Supergrupos” quizá no sea muy cercano a Latinoamérica, no porque no existan o hayan existido este tipo de proyectos (Serú Girán es el mejor ejemplo), pero entre los que mayor relevancia ganaron se ubica ya esta banda conformada por Andreas Kisser (Sepultura) en guitarra, Andrés Giménez (A.N.I.M.A.L) en la voz, Flavio Cianciarulo (Fabulosos Cadillacs) en bajo y Alex González (Maná) en la batería. De La Tierra fue además la banda telonera de Metallica durante parte de su gira por Sudamérica.

21. Fito Páez – Tendré que volver a amar

Fito Páez suele alternar entre discos buenos, malos y regulares. Y eso que lanza material nuevo casi cada año. Rock and roll revolution se ubica entre los regulares, en un sobrio homenaje a Charly García ("en vida hermano, en vida" diría un conocido locutor). Con su primer corte promocional, Tendré que volver a amar, desafía la hipocrecía de la sociedad “No  sé qué tanto miedo tenés de mí, yo soy mucho más normal que tantos idiotas que juegan a vivir escondidos detrás de sus normas”.

22. Kasabian – Stevie

Me cuesta mucho entender lo que hicieron los Kasabian con su último álbum y la dirección que decidieron tomar. Una declaración de intenciones quizá. Rescato del 48:13 los temas bumblebeee y stevie, canción que por cierto, me remite directamente a aquel Jeremy de Pearl Jam.

23. Soledad Pastorutti, Niña Pastori y Lila Downs – La raíz de mi tierra

Una super producción, una mixtura del mejor folclore latinoamericano y el flamenco español. Tres grandes intérpretes femeninas como lo son la mexicana Lila Downs, la española Niña Pastori y la argentina Soledad. Particularmente me hubiese gustado mucho más si en vez de Soledad estaba otra -su voz me cansa y aturde- pero es innegable el buen trabajo hecho por estas tres mujeres y que mereció incluso el Grammy latino por Mejor Álbum Folk.

24. Lady Gaga y Tony Bennett - I can’t give you anything but love



Una combinación hasta insólita. Lady Gaga homenajeando a grandes figuras del jazz junto a uno de los intérpretes de mayor trayectoria. Pero lo que en realidad se ve y se escucha es a un pibe de 88 y a una diva de 28 evidenciando mucho talento y mucha química. Hay que decirlo, con Cheek to cheek redondearon un notable trabajo. 

25. Pink Floyd – Louder than words

No exentos de polémicas, David Gilmour y Nick Mason (sin Roger Waters, quien había dejado la banda en 1985) decidieron homenajear a Rick Wright, el tecladista fallecido en el 2008, sacando viejas maquetas de la época de The Division Bell. El resultado fue The endless river, disco completamente instrumental a excepción de este tema. Uno de los momentos mágicos de este año.